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May 06, 2023

Der Künstler Sanford Biggers spricht über seine Gottheit auf dem neuen Dach von OCMA.

Vom Dach des Orange County Museum of Art erhebt sich ein riesiger Schimmer

Vom Dach des Orange County Museum of Art erhebt sich eine gewaltige, schimmernde Chimäre, ein liegender männlicher Akt, dessen Gesicht eine afrikanische Maske ist. Der Körper ist im Stil der klassischen Skulptur gestaltet und von einer beliebten Pose inspiriert, die Zeus mit einem Füllhorn zeigt. Der Kopf der Figur lehnt sich an die stark stilisierte Ästhetik der Baule-Kultur der Elfenbeinküste an – in diesem Fall handelt es sich um eine doppelseitige Maske, ein Symbol der Dualität.

Wenn sich diese Skulptur des Künstlers Sanford Biggers ein wenig wie eine Illusion anfühlt, dann deshalb, weil sie es ist. Aus der Ferne betrachtet lassen die Konturen seines Körpers auf Tiefe schließen, doch in Wirklichkeit ist das Werk flach – ein Stück Aluminium, das von einem Gerüst getragen wird. Auf der Vorderseite stellt Biggers diese Gottheit in verschiedenen Farbtönen aus flatternden Pailletten aus Edelstahl dar; Auf der anderen Seite, wo die Stützen des Gerüsts sichtbar sind, hat er ein Muster aus schwarzen und weißen Achtecken gemalt, das einer Vintage-Steppdecke entlehnt ist.

„Of Many Waters...“, wie das Stück betitelt ist, vereint mehrere wichtige Themen in Biggers‘ Werk. Es gibt seine „Shimmer“-Serie, die die Silhouetten oder Schatten von Figuren in reflektierenden Materialien wie Glitzer und Pailletten wiedergibt – Darstellungen, die das Nebelhafte in kraftvolle Präsenz verwandeln. In der „Codex“-Serie nutzt er Vintage-Quilts als Leinwände für Gemälde oder schafft daraus geometrische, skulpturale Formen – Werke, die wie Portale wirken. Und es gibt die „Chimera“-Serie mit Figuren im westlichen Stil, die meist aus Marmor oder Bronze gefertigt sind und deren Gesichter von afrikanischen Masken verdeckt werden.

Diese Stücke haben sich an unzähligen Orten materialisiert, wie es bei Visionen der Fall ist.

Letztes Jahr wurde eine seiner Chimärenskulpturen im Rockefeller Center in New York City im industriellen Maßstab realisiert. Es folgte eine spannende Ausstellung seiner Quiltarbeiten mit dem Titel „Codeswitch“ im California African American Museum. Zusätzlich zur Dachskulptur im OCMA – die bis zum nächsten Sommer zu sehen sein wird – werden einige von Biggers‘ gesteppten Arbeiten nächsten Monat im Skirball Cultural Center im Rahmen der Gruppenausstellung „Fabric of a Nation: American Quilt Stories“ zu sehen sein ."

Obwohl der Künstler in New York lebt, ist er in LA geboren und aufgewachsen – und war kürzlich in der Stadt, um die Installation seiner Arbeiten im neuen OCMA-Gebäude in Costa Mesa zu überwachen. In diesem Gespräch (das aus Gründen der Klarheit gekürzt und bearbeitet wurde) spricht Biggers darüber, warum seine neue Chimäre Pailletten trägt, über seinen Nebenauftritt als experimenteller Musiker und darüber, dass er einmal mit Prince in der Olvera Street zu Abend gegessen hat.

Die Serie „Chimera“ zeigt diese komplexen Hybriden europäischer kunsthistorischer Figuren mit afrikanischen Masken. Zeigt dieser Modernismus seine Wurzeln? Europäische Kulturaneignung aufgedeckt?

Es ist alles oben Genannte. Es geht um die Maskerade – die Person, die die Maske trägt, ist in der Lage, ihre wahre Natur zu zeigen. Manchmal dient die Maske dazu, ihre wahre Natur zu verbergen. Trägt die Person die Maske? Oder trägt die Person die Maske? Ist es symbiotisch oder parasitär? Ich denke über die Querschnitte der Geschichte nach. Wir haben alle von einem gewissen Zusammenleben und Zusammenleben profitiert, aber es ist problematisch und voller Probleme.

Einige davon habe ich als Objekte für zukünftige Ethnografien bezeichnet. Ich stelle mir vor, dass Menschen unsere Zeit in der Geschichte erforschen, diese Objekte finden und versuchen, herauszufinden, was die Erzählung ist.

Was bestimmt die Materialien für diese Arbeit? Warum Pailletten?

Ich habe charakteristische Themen und in den letzten Jahren waren es die Chimärenskulpturen und die Steppdecken. Ich wollte dies als Gelegenheit nutzen, gemeinsam über beides nachzudenken. Wie kann ich einen Quilt so gestalten, dass er auch im Freien getragen werden kann und es mir ermöglicht, mit den Maßstäben auf einer anderen Ebene zu spielen? Etwa im Jahr 2016 oder 2017 begann ich, auf einigen Quilts Dinge mit Pailletten zu machen. Den Umriss des Körpers würde ich mit Pailletten gestalten. Aber diese konnten nicht nach draußen gehen. Das war also eine Möglichkeit, damit zu experimentieren.

Pailletten werden im Allgemeinen auch mit dem Kunsthandwerk von Frauen in Verbindung gebracht.

Es gibt politische Möglichkeiten, darüber zu sprechen, aber es gibt auch eine allgemeine Leidenschaft für Materialien. Ich interessierte mich immer für das Objekt, das nicht das erhabene Objekt war. Früher habe ich viel Zeit mit meiner Mutter in verschiedenen Stoffläden verbracht. Als ich in der Graduiertenschule war, nahm ich an einem Malprogramm teil, aber meine gesamte Arbeit bestand aus Klang, Installation und Skulptur. Ich habe mit Faserkünstlern zusammengearbeitet – was wegen seiner Assoziation mit Handwerk oft verachtet wurde. Ich bin als Graffiti-Künstler in Los Angeles aufgewachsen – so habe ich angefangen, Kunst zu machen – also für mich …

Du warst ein Graffiti-Künstler? Was war dein Tag?

Ich war Midas. Ich war überall im Pan Pacific Park!

Daher fühlte ich mich immer zu Werken hingezogen, die außerhalb der zeitgenössischen Kunst lagen. Ich habe mich mit der Vorstellung von Kunst versus Handwerk nicht wirklich abgefunden. Ich dachte immer, dass die beste Kunst etwas von beidem hat.

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Es hat 35 Jahre gedauert, aber das Orange County Museum of Art hat ein neues Zuhause.

Muster – und Musterspiele – tauchen immer wieder als Facette Ihrer Arbeit auf. Wie können Sie mit einem Muster kommunizieren, was mit einer wörtlichen Zeichnung möglicherweise nicht möglich ist?

Rhythmus. Visueller Rhythmus. Kadenz. Ich denke, dass Muster eine Frequenz erzeugen können. Wenn man ein Muster durchbricht, ist das für das Auge fast irritierend. Etwas an diesem Phänomen fasziniert mich. Einer meiner Einflüsse war [der Maler] John Biggers – er war ein Cousin. Seine Forschungen zur Malerei begannen sich auszuweiten, als er 1957 nach Ghana ging und anfing, sich mit Textilien zu beschäftigen und diese auf seine Gemälde des ländlichen Südens und der Schrotflintenhütten zu übertragen. Konzeptionell sehe ich mich darin, diese Tradition beizubehalten, aber meine eigenen Materialien und meine eigene Stimme zu finden.

Ich habe gelesen, dass Ihre Quilt-Stücke teilweise von der Idee inspiriert wurden, dass Quilts in der Ära der Sklaverei möglicherweise als Richtungsmarkierungen bei der U-Bahn gedient haben. Was hat Sie an dieser Idee fasziniert?

Es war wirklich ein Höhepunkt in Bezug auf das Programmieren in den ersten Jahren – das Programmieren am Computer. Als ich anfing, Quilts zu recherchieren, interessierte ich mich für die Gespräche über Code. Was wäre, wenn ich einen Code nehmen und einen anderen Code darüber legen würde? Da herrscht Spannung. Ich habe auch über Mythen nachgedacht. Bei all diesen Kunstwerken, über die wir jetzt sprechen und die sich auf Flussgötter und die römische Geschichte beziehen, sprechen Sie von Mythen. Ich interessierte mich für die Mythen der Underground Railroad. Künstler sind Mythenmacher. Durch diese Mythen finden Sie die Wahrheit.

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Im California African American Museum im Exposition Park in LA wird eine Steppdecke zum Gemälde.

Wie gehen Sie an die Quilts selbst heran? Gibt es Muster, nach denen Sie Ausschau halten?

Manchmal habe ich keine Wahl. Ich komme ins Studio und jemand hinterlässt eine Kiste mit Steppdecken, weil ich das mache. Also erlaube ich diesen Steppdecken, mir zu sagen, was ich tun soll. Das ist in der Geschichte der Patchworkdecken so: Man nimmt, was man hat, man wirft es nicht weg. Sie finden einen Weg, es zum Laufen zu bringen.

Sie haben einen QR-Code in einen Ihrer Quilts eingebettet, der Zuschauer zu Videos von Moon Medicin, Ihrem Musikensemble, weiterleitet. Wer ist in der Gruppe und was spielst du derzeit?

Wir sind gerade letzte Woche in Detroit aufgetreten. Wir haben gerade eine LP mit Jack Whites Third Man Records gepresst. Das Cover wurde vom Fotografen und Künstler Awol Erizku gestaltet. Martin Luther [McCoy] ist Leadgitarre und Gesang. Er ist Teil des San Francisco Jazz [Collective]. Jahi Sundance ist ein Turntablist. Unser Bassist ist André Cymone, der Teil der ursprünglichen Band von Prince war. Mark Hines, er kümmert sich um die gesamte Technik. Ich bin Keyboarder. [Die LP] wurde buchstäblich erst letzte Woche verpackt. Es heißt „The Great Escape“.

Wir würden es Art Rock nennen, beeinflusst von den Talking Heads, Kraftwerk, Sun Ra. Es ist Rock, Fusion, Soul, Jazz. Man spürt dort definitiv Hip-Hop, aber niemand rappt. Wir haben Umhänge – einige gesteppte Umhänge. In der Vergangenheit hatten wir weiße, maßgeschneiderte Overalls, die mit Spraylack versehen waren. Wir tragen auch Masken. Bei einem der frühen Auftritte in New York trugen wir Lederhosen, keine Hemden, Körperöl und Glitzer.

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Die Gala des Orange County Museum of Art am Samstag markierte die Premiere des neuen 94-Millionen-Dollar-Gebäudes der Institution, das am 8. Oktober der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wird.

Welche LA-Künstler haben Sie geprägt?

Samella Lewis, Charles White und Varnette Honeywood, die für mich eine sehr wichtige Mentorin ist. Sie und ich lernten uns kennen, als ich in LA war und mich als Künstler betrachtete, wussten aber nicht, was wir tun sollten. Sie nahm mich unter ihre Fittiche und brachte mich in einige Shows.

Meine Eltern sammelten Drucke und wir sahen uns hier [im Los Angeles County Museum of Art] regelmäßig Ausstellungen. Die King Tut-Show habe ich hier gesehen. In jedem Sommercamp kamen wir zu Shows hierher. Wir gingen auch zu den Teergruben.

Es scheint, dass jedes Kind in LA von den Tar Pits und der Olvera Street geprägt ist.

Ich traf Prince in der Olvera Street.

Wie ist das passiert?

Mein Vater war Neurochirurg und sein Buchhalter war auch der Buchhalter von Prince. Ich hatte einen seiner 45er und war begeistert: „Soft and Wet.“ Der Buchhalter wusste, dass ich Prince liebte, und wenn Prince ihn besuchte, brachte er ihm Musik mit. Der Buchhalter war nicht begeistert, also gab er es meinem Vater, und mein Vater gab es mir. Ich habe immer noch das meiste davon.

Irgendwie wurde es durch den Buchhalter und einen Freund der Familie arrangiert, der sagte: „Prince wird bei diesem Abendessen mit seinen Leuten sein und wir würden Sie gerne einladen.“ Ich saß einfach am Tisch und schaute Prince die ganze Zeit an. Und wenn er mich ansah, schaute ich weg. [Lacht.]

Was dürfen Sie auf keinen Fall verpassen, wenn Sie wieder in LA sind?

Ich gehe gern in den überkonfessionellen Garten am Sunset Boulevard – den [Self-Realization Fellowship] Lake Shrine. Es ist wunderschön und friedlich und meditativ und nahe am Strand. Ich habe meine Mutter dorthin gebracht, als sie an Alzheimer erkrankte. Sie liebte Blumen.

Auch El Compadre. Ich liebe das. Das ist mein Platz. Ich kombiniere das mit einem Lauf zu Sam Ash. Ich bekomme eine harte Taco-Kombination und ab und zu den Garnelencocktail. Und natürlich die flammenden Margaritas.

Sanford Biggers: Von vielen Gewässern...

Wo: Orange County Museum of Art, 3333 Avenue of the Arts, Costa MesaWann: Bis 13. August 2023Eintritt: KostenlosInfo: ocma.art