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May 15, 2023

Die letzten Szenen sind ein Knaller: Glyndebournes Don Giovanni rezensiert

Richard Bratby Glyndebourne Festival Opera, in Vertretung bis 15

Richard Bratby

Glyndebourne Festival Opera, in Vertretung bis 15. Juli

Garsington Opera, in Vertretung bis 22. Juli

Soll man am Ende von Don Giovanni lachen? Das Publikum tut das oft, und so war es auch am Ende von Mariame Cléments Neuproduktion in Glyndebourne. Meistens ist es die Stelle, an der Donna Annas Verlobter Don Ottavio ihr vorschlägt, zu heiraten, und sie ihn sofort um ein Jahr Aufschub bittet. Leser von Middlemarch werden wissen, dass die einjährige formelle Trauer nach dem Tod eines nahen Verwandten eine gängige vormoderne Konvention war, und Mozarts Schriften legen nahe, dass er (wenn nicht sein Librettist) weder die Heiligkeit der Ehe noch die Realität der Hölle in Frage stellte. Das stört jedoch viele moderne Regisseure nicht, und wenn sie Anna als geile Chefin und Ottavio als anhänglichen Melker dargestellt haben (nicht so schwer, um fair zu sein), wird es im Allgemeinen zuverlässig gelacht.

Genau das war hier nicht der Fall. Es stimmt, es gab viel zu lachen – Elviras spät einsetzende Hingabe an ein Leben im Gebet ist ein weiterer Auslöser zeitgenössischer Heiterkeit, die in diesem Fall durch die Tatsache verstärkt wird, dass wir gerade gesehen haben, wie sie versucht, Leporello niederzuschlagen. Aber es fühlte sich nicht wie Gelächter über eine Pointe an; eher wie die echte Entspannung, die da Ponte vermutlich beabsichtigt hatte und die Mozart in die brillanten, grenzwertig hysterischen Achtelnoten schrieb, die das Schlussensemble einleiten. In Cléments Inszenierung gab es tatsächlich einen Schock, auf den man reagieren musste. Giovannis Schicksal war so verblüffend und visuell spektakulär, wie es sich das Publikum des 18. Jahrhunderts nur wünschen konnte. Hier gibt es keine postmodernen Fälschungen: Sie haben überhaupt keinen Zweifel daran, dass höhere Mächte im Spiel sind und dass der Don (Andrey Zhilikhovsky) im Grunde ein Toast ist.

Giovannis Schicksal war so verblüffend und visuell spektakulär, wie es sich das Publikum des 18. Jahrhunderts nur wünschen konnte

Oleksiy Palchykovs Ottavio hingegen war kein Sitcom-Freund, sondern eine Figur von Integrität und Gewicht, so erfolglos sein Wahlkampf gegen Giovanni auch sein mochte. Palchykovs Tenor ist eher schlank als sinnlich, aber er formte seine Zeilen mit solcher Gelassenheit und Aufrichtigkeit, dass man verstehen konnte, warum Leporello (Mikhail Timoshenko) mit jedem Zeichen der Bewunderung zuhörte: Die Alternative zu Giovanni sah gar nicht so schlecht aus. Dieser Leporello ist bereits halb entliebt in seinen Meister – einen scharfsinnigen und mehr als sonst zweideutigen Kumpel, der mit seinem braunen Anzug, seiner Brille und seinem Schnurrbart (die Kulisse war ein modernes Resorthotel voller Junggesellen- und Junggesellinnenabschiede) ihm ähnelte ein angestellter Angestellter in einer italienischen New-Wave-Komödie. Sein Charakterverlauf ist dieses Mal nicht das, was man erwarten würde.

Clément macht Giovanni fesselnd, ohne ihn zu verherrlichen (oder ihn zumindest mehr zu verherrlichen, als Mozart, da Ponte und unsere eigenen niederen Instinkte es verlangen). An den Rändern von Zhilikhovskys schneidigem Bariton herrscht ein kalter, harter Schauer, der deutlich mit Timoschenkos schlichterem, aber wärmerem Gesang kontrastiert und den Zynismus seiner Begegnungen mit Anna und Elvira (Venera Gimadieva und Ruzan Mantashyan, die es beide ebenfalls geschafft haben, Süße auszustrahlen) unterstreicht wie Stahl) und sogar Victoria Randems geiles Partygirl Zerlina. Die Charakterisierung trug dazu bei, das Drama über die Stellen (bemerkbar im zweiten Akt) zu tragen, in denen Cléments Regie ins Stocken zu geraten schien. Aber beim letzten Bankett – mit Giovanni, der in seiner Weste auf einer gigantischen, schimmelnden Sahnetorte lag (Fairplay für die Requisitenabteilung; es reichte aus, um Sie direkt aus Ihrem Nyetimber zu reißen) – kam alles schnell zusammen und wieder waren diese endgültig Die Szenen waren ein Knaller.

Halten Sie auch ein Auge auf den Dirigenten Evan Rogister, der mit unglaublichem Elan an die Sache heranging und das Orchestra of the Age of Enlightenment mit einer rücksichtslosen, übermütigen Virtuosität spielen ließ, die ich (wahrscheinlich zu Unrecht) nicht wirklich von ihnen erwartet hatte. Die Blechbläser dröhnten, das Schlagzeug donnerte und in den Höhepunktszenen kochte alles hoch und überschwemmte den Zuschauerraum mit Harmonien und Farben Wagnerscher Dunkelheit und Kraft. Die spätklassische Oper passt hervorragend zu historischen Instrumenten. In Glyndebourne war die OAE in Flammen und in Garsington brodelte das English Concert (ein Orchester, dessen eigener Musikdirektor einst aus purer Langeweile aufhörte) wie ein Aperol-Spritzer. Douglas Boyd (ein stark unterschätzter Maestro) schnitzte, und die Oper war Rossinis Il barbiere di Siviglia.

Auch hier gibt es keine kniffligen Dinge. Christopher Luscombes Inszenierung spielt in einer italienischen Stadtlandschaft der 1920er Jahre (der Designer ist Simon Higlett), die sich dreht und das glänzende Deko-Interieur von Bartolos luxuriösem Stadthaus enthüllt. Stichwort schnappt vor Freude nach Luft: Währenddessen fährt Figaro (Johannes Kammler) Fahrrad, Almaviva (Andrew Stenson) ist ein aufgewecktes junges Ding und Rosina (Katie Bray) ist ein alles andere als schweigsames Starlet mit einer Marcel-Welle. Allein durch den Charme könnte diese Show weit kommen, aber das muss nicht, denn ohne einzelne Darsteller hervorzuheben (OK: Callum Thorpe als Basilio strahlte einen Doppel-Espresso-Gesangskick aus, der in keinem Verhältnis zu seinem Ausmaß stand Der Gesang war durchweg sonnig und geschmeidig, und Boyd und seine Band passten ihm in puncto Anmut, Farbe und Witz gleich. Es sah gut aus, es klang köstlich und das Publikum lachte, noch bevor sie ihr Picknick gemacht hatten. Das ist Unterhaltung.

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Richard Bratby

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